El Renacimiento - Escultura

Antes de empezar, es imprescindible contemplar la escultura de la Antigua Grecia en sus distintas fases:

Y ahora contemplemos la escultura de la Edad Media:

Como podemos ver, la calidad de la escultura de la Grecia Clásica alcanzó un gran nivel de perfección anatómica, con una gran expresividad facial y corporal, que continuaron los romanos sin mucha novedad. Tras la caída del imperio romano, durante la Edad Media, la escultura empeoró muchísimo estilísticamente, aunque fue recuperándose levemente durante la fase románica y algo más durante el Gótico.

Escultura renacentista

La escultura durante el Renacimiento mejoró increíblemente su técnica con respecto a esculturas de estilo anteriores. La búsqueda de lo clásico (Edad Clásica: Grecia y Roma) inspiró a los artistas de la época, que alcanzaron el nivel de perfeccionamiento perdido durante toda la Edad Media.

Fueron muchos los escultores y multitud las obras que hicieron brillar la escultura renacentista. La producción escultórica fue intensa en todas sus variedades: escultura exenta, relieve, busto, grupos escultóricos, escultura ecuestre,etc....

Las características de la escultura renacentista podría resumirse en:

• tomó como base y modelo las obras de la antigüedad clásica y su mitología, con una nueva visión del pensamiento humanista. 
• Naturalismo (representación de la belleza del cuerpo humano desnudo, superando la censura teocéntrica medieval)
• técnica muy perfeccionada, gracias al estudio meticuloso de la anatomía humana. 
• En algunos países la temática fue tanto profana como religiosa; no así en otros países como España y Alemania, donde prevaleció el tema religioso​
• El cuerpo humano representó la belleza absoluta, cuya correspondencia matemática entre las partes se encontraba bien definida,
• contrapposto fue utilizado constantemente desde Donatello a Miguel Ángel. 
• liberación de la escultura del marco arquitectónico, 
• los relieves se realizaron con las reglas de la perspectiva
• gran dinamismo en las posturas de figuras humanas
• enorme expresividad orientada hacia el dramatismo ( terribilità ) como los que pueden apreciarse en las esculturas de Miguel Ángel, como en el rostro de su David
• fue fundamental la figura del mecenas, representados por la iglesia y personajes de la nobleza que obtenían con su mecenazgo prestigio social y propaganda política (financiar la formación artística e incluso producción de obras de artes de artistas talentosos)

Ejemplos ilustres de la escultura renacentista

David, de Miguel Ángel, de 1501 a 1504. escultura de 5 metros con una perfección anatómica y postura relajada y natural gracias al contraposto. Representa al personaje bíblico de David (el que mató a Goliat), pero su representación se hizo al desnudo para mostrar su naturaleza humana (antropocentrismo) en todo su esplendor y belleza. La mirada ha sido interpretada en el sentido de que la escultura muestra el momento en el que David ha tomado la decisión de atacar a Goliat pero aún no ha comenzado el combate. Otros expertos opinan, sin embargo, que la escena muestra el momento inmediatamente posterior al final de la batalla, y que David contempla tranquilamente su victoria. Sea de una u otra forma, el rostro tiene cierta expresividad pero no dramatismo. Sin duda destaca por la postura relajada y la perfección anatómica aunque esté levemente desproporcionado en manos y cabeza.

Miguel Ángel hizo estudios anatómicos preliminares (cuando un artista hacía estudios, quiere decir que hacía bocetos, bien pintados en papel o bien en escultura de materiales pobres como el barro, de las distintas partes anatómicas que quiere representar para, una vez adquirida cierto dominio técnico o resueltos aspectos compositivos, emprender la obra final con el material seleccionado, en este caso un enorme bloque de mármol blanco de muchas toneladas. Finalmente el artista va golpeando con el cincel y el martillo para ir extrayendo trozos y finalmente dándole un acabado fino durante el pulido. En otras esculturas de otros materiales como el bronce, se utilizan otras técnicas diferentes al cincelado).

El rapto de la Sabina, de Giambologna
Lo más destacable de este conjunto escultórico es la disposición de sus personajes en espiral, que se arremolinan en una escena cargada de expresividad y dramatismo. La escultura está hecha para ser contemplada desde todas sus perspectivas, pues los rostros de cada uno de los personajes se orientan hacia distintos puntos de su perímetro. Es una obra muy compleja por la multitud de matices en la expresividad de sus rostros, así como la naturalidad de sus expresiones corporales, que ayudan a mantener la tensión de la escena (un rapto). La escena está basada en la mitología romana del rapto de las sabinas. Dejo aquí este enlace por si os interesa el tema.
Se puede añadir el estudio anatómico de los personajes, mostrando una musculatura desarrollada que está en tensión por la escena, así como multitud de detalles como los cabellos, las manos, las articulaciones flexionadas, etc... Todo el conjunto evoca tensión y dramatismo.

Piedad de Miguel Ángel

En este conjunto destaca una virgen inusualmente joven sosteniendo el cuerpo sin vida de su hijo tras ser descendido de la cruz. La delicadeza con la que ha sido ejecutada esta obra puede comprobarse en todos sus detalles: la perfección y detallismo de los paños (pliegues de sus ropas), la terribilitá del rostro de María que transmite pena y desolación, la postura inerte de un Cristo anatómicamente perfecto (se le notan hasta las venas en la mano), etc...

Panel de Adán y Eva de la puerta del Paraíso del baptisterio del Duomo de Florencia: es un relieve de Ghiberti realizada en 1452

Aquí podemos ver la puerta completa:

Aunque la obra completaa sean 10 paneles narrando la vida de Jesús, sólo analizaremos uno de los paneles (Adán y Eva):

Este relieve está realizado en bronce y es una finísima obra de arte realizada con enorme detallismo e increible técnica que transmite profundidad (a pesar de la limitante capacidad de un bajorrelieve para manifestar la tridimensionalidad).

El panel representa la escena del Antiguo Testamento de Adán y Eva, dividida en tres episodios superpuestos: primeramente la creación del hombre, al que Dios da vida y de la mujer, surgida de un costado de aquel. Estos dos primeros seres viven en el Paraíso, lugar idílico donde, entre otras cosas, hay dos árboles, el de la Vida y el de la Ciencia. En el segundo episodio, la caída del hombre, Adán y Eva, engañados por la serpiente, comen del Árbol de la Ciencia, algo que Dios les había prohibido y como castigo los expulsa del Paraíso llenos de vergüenza y obligados a trabajar. 

Es por ello que el mismo panel tiene tantos personajes, aunque hay que entenderlo como una "viñeta" donde hay "tres viñetas superpuestas" (léase visualmente de izquierda a derecha):
1- Dios crea a Adán y luego a Eva de su costilla
2- Adán y Eva son engañados por la serpiente y toman el fruto prohibido
3- Dios expulsa a Adán y Eva del Paraíso (escena doble: los reprende, y los expulsa)

La expresividad de los personajes puede comprobarse por sus rostros y expresiones corporales que añaden dramatismo a la escena. La distinta profundidad de los relieves ayudan a interpretar la secuencia además de aportar una tridimensionalidad a la escena representada.